¿Qué dista entre una sueca escultural remojándose en la Fontana di Trevi y una morenaza italiana con los espaguetis escurriéndosele por el escote ante la Fontaine Saint Michel de París? Pues que la segunda, en un acto caníbal, devora la construcción misógena que encarna la primera. Fue uno de los performances urbanos que realizara la napolitana Romina de Novellis al instalarse en la capital francesa (Splash! La Dolce Vita a Paris 2010).
Siguiendo con los guiños fílmicos podemos decir que Romina, por entonces, ya había sido vista bajo la influencia (o al borde de un ataque de nervios) recorriendo mercados y callejeando por la ciudad (Il Capitano, París 2009). Quizás, la práctica de comportamientos excéntricos permitían a la artista sacudirse corsés heredados en su país de origen acerca del rol de la mujer, y al reacomodarse en un nuevo escenario mostraba el ingrediente tragicómico de esa búsqueda solitaria.
En acciones posteriores seguirá explorando la enajenación creativa como fuerza motriz para interrumpir inercias, para transgredir rituales cotidianos, a menudo haciendo de la repetición un gesto simbólico.
Así, durante largas horas, incluso pasando la noche en vela, te has dedicado a cardar lana, lavar ropa, hilar o deshilar… En La Veglia, La Pecora… las figuras de Arachne, Penélope y Ariadna se funden con una imagen tradicional de la mujer, pero también con su potencial revolucionario.
En mi trabajo, la repetición del gesto conduce al autoanálisis. Pretendo hacer reflexionar sobre cómo estamos atrapados en algunas jaulas sociales que construimos nosotros mismos. Creemos que podemos protegernos a nosotros mismos, pero en realidad, a través de mi trabajo apunto al hecho de que estamos en el origen de todas nuestras dificultades y sufrimientos. La repetición es sinónimo de aburrimiento, de rutina, de patrones preestablecidos y alienantes que no permiten al ser humano expresarse y “ser” hasta el final, y que le obligan a proyectarse constantemente más allá de sus propias jaulas, de manera utópica, y ahora también virtual.
Saco a la mujer tradicional de su propio mito, aniquilando la visión machista de la mujer que puede esperar, que sabe tejer, que sabe cómo cumplir con su deber, trasladando tales visiones a un contexto contemporáneo. El problema no es el papel de la mujer, que afortunadamente hoy está cambiando, aunque sea muy lentamente. El problema es la proyección misógina de las mujeres en la sociedad: este aspecto en la consideración del género femenino todavía tiene un largo camino por recorrer.
En La Gabbia el gesto repetitivo consistía en ir construyendo un muro de rosas a tu alrededor, de modo similar a la pantalla de hilos rojos en La Veglia, pero ahora estando desnuda dentro de una jaula. El gesto es trágico porque conlleva la auto-anulación.
La Gabbia es un trabajo sobre el derecho a poner fin al sufrimiento, ante todo como un cuerpo. Pienso en las enfermedades que ponen al cuerpo humano en una condición mortificante, pienso en la vejez, pienso en todas las personas que quieren poner fin a su sufrimiento. La Gabbia es una obra poética que expresa la belleza del individuo, libre de hacer lo que quiera con su cuerpo.
Otro tema importante para ti es la familia, con toda su carga restrictiva pero también protectora. En “La Sacra Familia” (2015) tú y tus allegados formabais una procesión mística y surrealista recorriendo el casco antiguo de Nápoles en víspera de Navidad ¿lo que muere en el mar renace?
Terminar en el mar, antes que nada para terminar… Terminar con las hipocresías de las culturas mediterráneas (y otras) aún centradas en esta muy antigua carga social del concepto de familia. Para terminar con las hipocresías que quieren transmitir y enseñar los valores familiares, deberes familiares, derechos familiares, etc. a toda costa.
Terminar en el mar como una muerte segura de la sociedad actual en la que vivimos, que está implosionando lentamente. Terminar en el mar como un renacimiento, un posible renacimiento, si tan solo tuviera la certeza de que efectivamente existe la posibilidad de reencarnación solo de las personas pero no de los patrones y modelos institucionales que la sociedad siempre nos ha impuesto. Terminar en el mar para ahogarnos, para acabar drásticamente con las hipocresías que nosotros mismos creamos.
En otra ocasión, tú y familia convivisteis con buitres unos días, y después realizaste una performance (Augurii 2014) inspirada en aquella pintura de Leonardo (Santa Ana, la Virgen y el Niño) en la que Freud quiso ver la figura oculta de un buitre al tiempo que la interpretaba en clave psicoanalítica como diosa madre asociada a Mut. ¿Simboliza también para ti la fuerza materna?
No, los buitres simbolizaron para mí el ciclo natural: el cuerpo que se convierte en cadáver, es devorado y hecho desaparecer por los buitres. Después de la experiencia del parto, mi cuerpo se había vaciado. Quería trabajar simbólicamente sobre este pasaje hacia otro cuerpo, con otro sentido, ruina de lo que mi cuerpo era hasta antes del nacimiento de mi hija. Si existe la reencarnación, probablemente sea en la capacidad del cuerpo para renacer después de haberse vaciado de vida.
En“Gradiva” (2017) paseas una carreta por las ruinas de Pompeya. El título nos evoca aquel espectro femenino (de la novela de Wilhelm Jensen) engendrado por el miedo a amar de un arqueólogo, un miedo que lo llevó a soterrar sus recuerdos bajo la lava. ¿Pero para ti quien es Gradiva?
Mi Gradiva es el fantasma de una sociedad que se está arrastrando, que cree que puede seguir haciéndolo. Es una metáfora de la situación social actual, especialmente en el Mediterráneo que acusa su fatiga y una Europa que lo abandona a su propia suerte pero que por un efecto como de boomerang o tsunami regresa librando las mismas batallas.
Mi Gradiva es el fantasma utópico de una sociedad que cree que puede seguir existiendo, sin darse cuenta de que no es más que una pila de ruinas, que se limita a arrastrar su propio cadáver.
Otro performance preñado de referencias fue “Inferno”. Presentado en el Palais de Tokyo (2015), los comensales habían comido sandía, por lo que aplicando la “ley del contrapaso” (aquella que Dante inflige a los condenados) engulliste tres sandías mientras el jugo empapaba tu vestido blanco. La acción tomó otros matices cuando la realizaste en Venecia: de la gula del coleccionista a la culpa en relación al mar, la sangre, la migración… ¿Es así?
Sí, es exactamente así, es por ello que se llama Infierno, y porque todos ya estamos en el Infierno, que es dantesco. Somos todos víctimas de nuestras propias acciones. Vivimos en una época de valores falsos, moralismos y proyecciones virtuales de vidas utópicas: ya estamos en el infierno, somos auto-conspiradores, autoengañados, nos humillamos a nosotros mismos, somos autores y víctimas de nuestra forma de vivir y actuar.
Entrevista a cargo de Anna Adell
Próximos eventos:
– La Veglia, Fundación Villa Datris, mayo 2018 (live performance+ exposición colectiva)
– Arachne: a live performance en colaboración con Ramdom y Lastation, Gagliano del Capo, Salento, junio 2018
– Manifesta 2018, Palermo,
– Vertiges, exposición colectiva, Labanque, Béthune, comisariado por Léa Bismuth
– Muestra colectiva, Alberta Pane Gallery, Venecia, octubre 2018
…